#letras contemporáneas

[slapiz]

Caritate: un manantial de arte y cultura en Miami Dade

Los escritos llevan la firma de importantes autores, que han dejado su marca en el mundo de la literatura y el periodismo. La Revista Caritate acaba de lanzar su edición especial ENERO-MARZO 2023, una publicación mensual de arte y cultura de la Fundación APOGEO que está dedicada al VII Festival Internacional Casandra de Teatro, a la mujer y al XV aniversario de la fundación; ambas creadas y…

[natalygrhol]

Deseo

Recorrer tu cuerpo como tus suspiros… Pensarte lejano y distante, pero cercano en mis pensamientos. Desnudarte en memorias que aún no fueron escritas, fruto de la morbosidad de mis pensamientos impuros. Me hallo culpable de mis insasiables ganas de tu cuerpo, y me retraígo a dejarlo en un mórbido deseo.

Vaiven se sentires contradictorios redirigidos a lo más bajo de mis primitivos instintos.

Natalia grhol

[ochoislas]

frío de marzo… en torno a la hoja tierna ¡qué agudos dientes!

a la luz del quinqué coso y le enseño a leer… lluvia de otoño

leyendo una obra los platos en la pila noche de invierno

remendando medias… esta mujer de maestro no es ninguna Nora

alarma antiaérea… el templo con las flores apaga el último

Sugita Hisajo

[ruben85jt]

Todo eso

Todo lo que nunca seré,aquello que nunca fui ylo que nunca dejé de ser, todo lo que me perdí,aquello que dejé atrásy también lo que descubrí. Todo lo que amé,aquello que amo,y lo que algún día amaré. Todos mis impulsos,mis fobias, miseriasy obsesiones, todas las noches de insomnioy los días de agotamiento físico, todas las huellas que he seguido,y cada una de las huellas que he ido dejando a…

[musik27]

Mon Laferte: Una voz rebelde y versátil en la música latina

Mon Laferte es una de las voces más poderosas y versátiles de la música latina contemporánea. Con su estilo único que combina el poder de su voz con letras conmovedoras e inquebrantables, ha logrado establecerse como una de las artistas más influyentes de su generación. A lo largo de su carrera, ha demostrado una versatilidad que trasciende géneros, estilos y fronteras.

Inicios y Transformaciones

Norma Montserrat Bustamante Laferte Nacida el 2 de mayo de 1983 en Viña del Mar, Chile, Mon demostró su talento y amor por la música desde temprana edad. Influenciada por las tradiciones musicales de su país, creció en un ambiente de bolero, folclore y rock, que influyeron en su estilo musical posterior. A los 13 años, Rafter comenzó a cantar en bares locales y a participar en concursos de talentos, donde ya empezaban a aflorar sus habilidades vocales y escénicas.

Se hizo famoso en Chile por su participación en el programa de televisión Rojo: Fama, Contrafama*,El concurso de talentos que lanzó su carrera Aunque su primer álbum *La Chica de Rojo* (2003) apuntaba a un estilo más comercial, Mon pronto decidió incorporar su arte al suyo, alejándose de la música pop tradicional que explora una gama más amplia de sonidos y emociones.

Renacimiento en México

Después de su éxito en Chile, Laferte tomó una decisión arriesgada y radical: en 2007, se mudó a México para redescubrirse a sí mismo como artista. El cambio no fue f��cil ya que enfrentó varias dificultades, incluidos problemas de salud que casi le acaban con la vida. Sin embargo, la experiencia fortaleció su creatividad y sus creencias personales.

México se convirtió en el lugar donde su música tomó nuevas direcciones, mezclando estilos como el bolero, el rock, el folk y el pop latinoamericano. En 2015 lanzó el álbum Mon Laferte Vol 1, que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera. Con canciones como "Tu falta de querer" y "Amor completo", Mon se ganó al público no sólo en México, sino en toda América Latina y España. La melancolía y crudeza de sus letras,Debido a la vulnerabilidad de su voz, rápidamente conectó con el publico.

Activismo y arte

Mon Laferte es conocida no solo por su música, sino también por su activismo y su postura en las redes sociales. y cuestiones políticas. Ha utilizado repetidamente su plataforma para denunciar la injusticia y apoyar causas como las luchas feministas, los derechos LGBTQ+ y la protesta social en Chile. Uno de los momentos más impactantes de su carrera fue su protesta durante los Premios Grammy Latinos 2019, donde mostró un mensaje en su pecho desnudo con un mensaje sobre la represión en Chile: "En Chile torturan, violan y matan". Su arte y activismo están indisolublemente ligados, y muchas de sus canciones tratan temas de dolor, resistencia, empoderamiento y crítica social. Este compromiso no fue fácil, ya que sus opiniones políticas fueron elogiadas y criticadas, pero Mon siempre mantuvo un claro sentido de responsabilidad como artista en tiempos de cambio.

 Estilo y evolución musical

A lo largo de su carrera Mon Laferte experimentó con una variedad de géneros, desde pop y rock hasta cumbia y folklore andino. Su álbum Norma (2018), por ejemplo, es una dedicatoria a los ritmos latinos tradicionales, en el que explora géneros como la salsa, el mambo y la cumbia. Cada nuevo proyecto muestra un aspecto diferente de su arte, pero siempre conserva su huella personal: autenticidad y emoción cruda.

En 2021 lanzó "Seis", un álbum inspirado en los rancheros y la música mexicana, con influencias de la figura de culto Chavela Vargas. Con este álbum, Laferte expresa su profundo respeto por la tradición musical mexicana mientras continúa explorando su propio sonido. En canciones como "que se sepa nuestro amor" y "Se me va a quemar el corazón", combina el drama de la música ranchera con melancolía y pasión personales.

Mon Laferte Ha dejado una huella imborrable en la música latinoamericana. su capacidad para reinventarseSu exploración de diferentes géneros sin dejar de ser fieles a sus personalidades creativas los ha convertido en referentes de la música y la cultura latina. Con múltiples Grammys, una sólida base de fans internacionales y una carrera en crecimiento, Mon continúa superando expectativas y rompiendo barreras.

Su legado no solo radica en su música, sino también en su coraje para hablar y cantar. Sobre temas que otros artistas podrían ignorar. Mon Laferte es una artista completa en muchos sentidos: guapa, rebelde y, sobre todo, sincera. No hay duda de que es y seguira siendo una figura clave de la música latina durante muchos años más.

te amo mucho Mon gracias por tu musica me haces muy feliz tu mejor album es 1940 carmen pero nadie acepta esta verdad  te amo te amo te amo te amo te amo casate conmigo por favor te amo mucho

[jartita-me-teneis]

«Asomaba a sus ojos una lágrima

y a mi labio una frase de perdón;

habló el orgullo y se enjugó en su llanto

y la frase en mis labios expiró.

Yo voy por un camino, ella por otro;

pero al pensar en nuestro mutuo amor,

yo digo aún: ¿Por qué callé aquel día?

y ella dirá: ¿Por qué no lloré yo?».

• "Rima XXX", de Gustavo Adolfo Bécquer.

Gustavo Adolfo Bécquer

Uno de los últimos poetas del Romanticismo

(Sevilla, 1836-Madrid, 1870), poeta, narrador romántico y precursor de la mejor poesía contemporánea. Sus Rimas y Leyendas es su obra más conocida.

En sus poemas aborda temas como el sueño y la razón, la idea y la palabra, la mujer ideal y la mujer carnal o la aristocracia y el pueblo. Bécquer, además de ser un hombre de letras, también estuvo muy relacionado con el mundo de la pintura.

“Gustavo Adolfo Bécquer”, escultura en homenaje al poeta romántico realizada en bronce por Ricardo González y ubicada a los pies del Monte de las Ánimas, en el Ayuntamiento de Soria (España).

[chicamapachesblog]

En el teatro del enamoramiento anhelo trazar mi camino, con cartas que susurran secretos y chocolates que endulzan el destino.

Flores inesperadas, pétalos de sorpresa, dos almas entrelazadas buscando su pieza.

En este ballet romántico, el objetivo es común, fusionar nuestras esencias, ser uno en la comunión.

Sin embargo, en la realidad contemporánea la seriedad del amor parece una quimera lejana.

En las páginas de la vida actual, el compromiso se desvanece como un cuento antiguo donde la pasión crece.

Pero yo, en mi refugio de películas y dramas, encuentro el consuelo donde el amor no se desgrana.

Así, entre guiones y escenarios, sueño con la antigua elegancia, donde el romance florece con pura sustancia.

En letras y escenas del ayer, busco el renacer del amor a la antigua, que aún puede prevalecer.

[labitacoradelhombresolitario]

Roger Wolfe, en Oviedo · Octubre de 2024 · Foto: David Cabo, para La Nueva España

«El arte es un todo, la antorcha va pasando de unos a otros»

«Sigo siendo el mismo, pero uno va avanzando y progresando, quizá para volver siempre al mismo lugar; en cada época de la vida intentas ir diciendo las cosas de forma un poco diferente»

CHUS NEIRA · La Nueva España

Roger Wolfe (Westerham, Kent, 1962) clausuró recientemente con la charla «Las músicas del verbo» el VI Seminario «PoeMas» organizado por la UNED y en colaboración con la Cátedra Ángel González de la Universidad de Oviedo. Afincado en Madrid desde hace años, el regreso del poeta y narrador a la que también fue su tierra coincide con el año en que Renacimiento ha publicado el segundo tomo de su poesía completa, Toda esta poesía, y con los treinta años de la publicación del seminal Arde Babilonia (Visor, 1994).

–A usted siempre le ha interesado mucho la música popular contemporánea.

–Soy aficionado desde que tengo uso de razón y, de hecho, algunos de mis primeros experimentos con la poesía tuvieron que ver con unas traducciones que en su momento hice de los Beatles. Hablo de cuando tenía catorce años. La música siempre me interesó mucho. Empecé con John Denver y otros cantantes de folk americano, y cuando empecé a hacer audiciones algo más serias me introduje en el ámbito de la música que podríamos llamar más poética: Leonard Cohen, pero también Lou Reed, Neil Young… Y me ha influido mucho también el rock español de Burning, Leño o Ilegales. Ha habido una relación e interrelación constantes entre mi escritura y la música, hasta el punto de que algunos de mis poemas son versiones libres de Cohen o de Lou Reed.

–No piensa en la canción como una obra literaria menor respecto al poema.

–El poema es una cosa y la canción, otra. Tienen cosas en común, pero son diferentes. Yo soy partidario de que las letras de rock o de pop sean sencillas, fáciles de entender, que lleguen al público de una forma más abierta y más sencilla que el poema. El poema es algo mucho más sofisticado y cargado de referencias. Es verdad que hay músicos muy literarios.

–Cuando traducía a los Beatles con catorce años, ¿ya estaba en España?

–Sí, cuando mis padres vinieron a vivir a Alicante yo tenía cuatro años. Cumplí cinco aquí, en octubre de 1967.

–Ya era angloparlante.

–Sí, luego se injertó en mí el español, que también hablo como un nativo, por haberlo aprendido con cinco años. Así que soy absurdamente bilingüe, nativo en los dos idiomas.

–¿También tiene las dos culturas? ¿No perdió la británica?

–He vivido aquí aunque también en diferentes épocas estuve en Inglaterra. Estudié allí y he regresado bastante. Por otra parte, nuestro hogar en España era inglés. Mis padres no hacían mucha vida social con españoles y nos manteníamos como un microcosmos británico. Fuera de casa yo iba al colegio de la Inmaculada, los jesuitas de Alicante, y allí era uno más en la vida española. Era una simbiosis perfecta.

–Volviendo a la música, ese interés le ha llevado también a protagonizar distintos proyectos con músicos.

–Sí, en el marco del «POEX», en Gijón, hicimos hace pocos años un show con Alfonso Lantero, ex componente de Ilegales, y Román Fernández, un músico de Mieres. Con Diego Vasallo, además del disco que sacamos, estuvimos en «Cosmopoética» con Suso Saiz. Y he hecho también ese tipo de shows con Rafa Berrio, tristemente fallecido. Era un magnífico compositor, un verdadero poeta, uno de los mejores cantautores que había en España. Pero sí, el spoken word me gusta mucho y en mi blog también subo cosas relacionadas con esto.

–Su obra poética la vemos crecer en ese blog pero no en nuevos libros.

–En Renacimiento está saliendo mi obra poética completa hasta la fecha. Este año ha salido el segundo tomo y quedan otros tres. Renacimiento también publicó en 2021 Pasos en el corredor, que es la segunda edición de un poemario que había salido en una edición anterior, casi de autor. Luego está mi blog, sí, La bitácora del Hombre Solitario, que considero un libro en marcha, un gran libro virtual. Ahí voy publicando varias cosas, todas las semanas, incluso varias veces a la semana.

–¿Se ha querido alejar del mercado editorial?

–No. Lo que pasa es que publicar siempre ha sido difícil y en los últimos años es más complicado que nunca. A mí me gustaría tener una relación con un editor que me sacara todo, poesía y prosa. A finales de la primera década de este siglo conseguí algo parecido con la editorial Huacanamo. Me publicaron varios libros y cogí carrerilla, pero luego llegó la crisis financiera y la editorial cerró. Así que ahora voy publicando donde puedo y lo de subir las cosas a la Bitácora me permite la inmediatez y el contacto directo con los lectores. Pero no hay una motivación especial. Sigo escribiendo como siempre.

–Con tanta obra, y con la edición de unas poesías completas en marcha, ya puede echar la vista atrás y pensarse un poco. ¿Qué ve?

–Son muchos años. El primer libro, de 1986, Diecisiete poemas, lo presenté aquí, en Oviedo, en Ojanguren, en 1987. Ya ha llovido. Sigo siendo el mismo pero uno va avanzando y progresando, quizá para volver siempre al mismo lugar. En cada época de la vida uno intenta ir diciendo las cosas de forma un poco diferente.

–¿Qué relación tiene con obras como Arde Babilonia?

–Me queda un poco lejos, pero en muchos sentidos soy el mismo. La propia biología te va a haciendo cambiar. La energía que uno tiene, la rabia… No es la misma, te vas distanciando. Hace ya muchos años que publiqué ese libro.

–Exactamente treinta años. Fue un libro importante.

–Es quizá uno de los más conocidos, porque se publicó en Visor y tuvo mucha repercusión.

–Lo escribió cuando vivía en Gijón.

–Sí, a principios de los noventa. Había venido a vivir a Asturias en 1983, a Oviedo, para dar clases de inglés en una academia. Luego establecí vínculos personales. Mi mujer es asturiana y mi hija nació aquí. Yo me había marchado, pero regresé y estuvimos diez años en Gijón.

–¿Se encontró bien aquí? Estamos más cerca de Inglaterra que Alicante.

–Climatológicamente es muy parecido. Hoy es un día típicamente inglés. Y asturiano. Al final uno establece vínculos muy estrechos con la tierra, con el clima. A mí son cosas que me marcan mucho. Como la presencia de esos paisajes, los asturianos y los ingleses. También los madrileños, llevo en Madrid veinticinco años.

–¿Ha ido dejando atrás el paisaje urbano que estaba tan presente en su poesía?

–El entorno urbano era muy importante en un principio, pero también es verdad que la naturaleza está muy presente. Siempre he sido un enamorado de la naturaleza y quería ser naturalista. Por otra parte me considero, más que ecologista, conservacionista, que es la palabra más antigua. Me hubiera gustado una vida más natural, más rural, pero uno lleva la vida que puede llevar.

–¿Lleva toda la vida deseando una vida en el campo?

–Me gustaría, sí. Un hombre tiene que tener una casa, o un lugar que pueda llamar su casa. Precisamente estos días he estado traduciendo un poema de William Butler Yeats que se titula «Mi casa». Lo tengo aquí (señala el móvil), lo grabé ayer. A veces hago traducciones y otras voy un poco más lejos y versiono el poema. Estará de acuerdo conmigo en que la poesía hay que recrearla. Este poema, por ejemplo, estaba traducido en una versión en Alianza y no me convencía. A veces me permito demasiadas libertades, pero es que lo del traduttore/traditore es cierto en el buen sentido. Y tiene que ser así. Muchas veces se trata de volver a crear el poema y en ese proceso a veces lo haces tuyo.

–¿Hasta dónde se puede llegar?

–A veces pienso que me gusta más hacer versiones de material ajeno que cosas propias. En la poesía y el arte, creo, el concepto de autor es un poco vago. Al final no es demasiado importante. Sí creo en la importancia del autor como individuo, pero el arte es como un río heraclitiano, y lo que llamamos autores son puntos donde se condensan más las partículas de ese flujo. En realidad, el arte es un todo, y nos vamos pasando la antorcha unos a otros. Lo que escribe aquí Yeats lo recojo yo y si tengo suerte se lo paso a otro. Y así sucesivamente.

–¿Y eso de grabarse recitando?

–Yo prefiero decir «hablar». Es el término de los actores en el mundo anglosajón. Eso es lo que hacemos cuando leemos en voz alta, hablamos.

–¿Pero por qué lo hace?

–La sonoridad de la palabra es maravillosa. Me encanta, me gusta muchísimo la expresión oral. Ya sé que el poema está diseñado para ser escrito y que tiene que funcionar en la página. Porque la palabra hablada también puede ser muy engañosa. Recuerde lo que decían de Camarón, que si se hubiera puesto a cantar la guía de teléfonos hubiera sonado como una obra maestra. Por eso digo que me gusta que las cosas funcionen en la página, aunque algunos textos hablados adquieren una sonoridad máxima que puede llegar a ser sublime. Ahí está Shakespeare, que está para oírlo, no solo para leerlo. A Borges le volvía loco la sonoridad del inglés.

–Entonces, cuando escribe, ¿también habla, recita?

–Cuando estoy trabajando, no. Decía Flaubert que la prueba de fuego del texto escrito era leer la página en voz alta y que siguiera funcionando, pero no, yo no estoy de acuerdo, por lo que digo de que la palabra hablada es engañosa.

–No es lo mismo, pero Hunter S. Thompson decía que había aprendido a coger el ritmo de los autores importantes a base de transcribir sus páginas.

–Es interesante. Yo lo hice de otra forma. Aprendí a escribir prosa narrativa traduciendo. Hice mucha novela negra para Júcar. Traduje a James Crumley, alguna de Lawrence Block. También, para Anagrama, algo de Burroughs y aquel de Bukowski de El capitán salió a comer y los marineros se hicieron con el barco. Para mí fue una escuela que no tiene precio. Traducir es otra forma de escribir, es recrear. Me fascina y me encanta eso de hacer que las cosas encajen de forma natural en otro idioma. El escritor mismo, aunque escriba en su propio idioma, se está traduciendo. De esto escribió mucho Proust. Quien escribe traduce sus propios pensamientos. Y quien habla, también.

–Hablaba antes de pasar la antorcha a otros. A usted se le ha considerado el introductor en España del realismo sucio. ¿Se reconoce en sus hijos literarios?

–Lo he intentado explicar mil veces. A mí se me asoció con el supuesto realismo sucio, pero no lo considero así. Tengo ciertos puntos de conexión por mi afición por Carver o Bukowski, cierta estética literaria, pero como etiqueta es muy limitada y no del todo certera. Supongo que sí tuve bastante influencia en una serie de gente, y libros como Arde Babilonia tienen mucho que ver con esa estética. Pero es una parte de mi poesía. Todos tenemos mil caras.

–¿Hasta qué punto le ha pesado esa etiqueta?

–Son losas que no te quitas nunca de encima, eso es lo que pasa. En aquellos libros volqué mucha rabia, mucha frustración, humor negro absolutamente sardónico, ácido. Y bueno, los críticos lo llamaron realismo sucio. Me cansé un poco de aquella etiqueta y nunca la asumí del todo. A nadie le gusta eso, uno siempre se ve como un artista.

Esta entrevista tuvo lugar en el Gran Hotel España, de Oviedo, el 17 de octubre de 2024. Muchas gracias a Araceli Iravedra, a Chus Neira y a David Cabo.

[golloarchive]

"Modern Life Is Rubbish" (1993), Blur.

Fruto del desencanto que la banda tuvo en Estados Unidos en una gira previa en el 92 por un mal manejo de tiempo, surge un álbum con temática de desagrado frente la vida moderna y la pregona de que todo tiempo pasado es mejor (al menos irónicamente). A lo largo de sus letras y su producción (al mando principalmente de Stephen Street) se deja sentir cierta incomodidad respecto a la vida contemporánea (o al menos por la vida de aquel 1993) y la nostalgia por los tiempos mejores. Damon Albarn no dejó pasar la oportunidad de dejar plasmada esta satira a través de su curiosa lírica, a la que le acompaña la novedosa, creativa y el rasgo más llamativo de este álbum: la guitarra de Graham Coxon, el siempre contrastante bajo de Alex James y la cada vez más característica batería de Dave Rowntree.

El álbum fue estrenado el 10 de mayo del 93. Aunque al comienzo no le fue como se hubiese deseado por la mala imagen que la gira posterior al "Leisure" acarreó el álbum terminó por mejorar la imagen de la banda a nivel local e internacional, tanto por su temática desencantada como por su sonido que posteriormente se convertiría en su rasgo más característico (frente al "Leisure" del 91 que -a mi parecer- aún suena sumamente influenciado por los géneros predominantes de aquel entonces), y funcionó además para confirmar a Blur como una banda muy representativa del movimiento "britpop" de los noventas frente al éxito de otras bandas como Suede o Pulp (y un año después Oasis).

[shakiralegends]

El 6 de octubre de 1995 se publicó Pies descalzos, tercer álbum de estudio de Shakira.

Pies descalzos recibió comentarios positivos por los críticos de música contemporánea. Varios alabaron la combinación de la melodía junto con la letra. El álbum y sus sencillos recibieron distintas nominaciones a los Premios Billboard de la música latina y los Premios Lo Nuestro. Comercialmente fue un éxito, ya que recibió distintas certificaciones de disco de platino en varios países, entre ellos Argentina, Brasil, Estados Unidos, México y Venezuela. En Colombia, Pies descalzos recibió el disco de diamante por más de un millón de copias vendidas en ese país. Adicionalmente, las ventas del álbum aumentaron tras el lanzamiento de su primer álbum de remezclas, The Remixes (1997).

Seis singles fueron liberados de Pies Descalzos, todos los cuales alcanzaron el éxito comercial en los Estados Unidos. Su sencillo principal, "Estoy Aquí", alcanzó el número 2 en el Billboard Latin Songs , y fue su primera canción promovida a través de un video musical acompañante. Los singles "¿Dónde Estás Corazón? ", "Pies Descalzos, Sueños Blancos", "Un Poco de Amor", "Antología" y "Se Quiere, Se Ma ta" alcanzaron su punto máximo entre los veinte primeros.

Hasta ahora, Pies descalzos ha vendido casi seis millones de unidades en el mundo y es uno de los álbumes latinos más vendidos en Estados Unidos.

Fue promovido adicionalmente a través del Tour Pies Descalzos, que visitó América del Norte y del Sur y Europa a lo largo de 1996 y 1997.

[venenoparatres]

FANTASMAS EN LA DISCOTHEQUE, PT. 1

En el disco “Dime precioso” de Álex Anwandter una pista de baile se abre, una bola de disco baja del techo, el estéreo suena a todo dar, pero algo falla, una cinta suena desperfecta, la conexión eléctrica falla. La música que ambienta la fiesta ochentera tiene la cinta gastada de tanto tocar el cassette. Es una fiesta espectral, no pasada, no futura, tan presente como el instante que existe y se va inmediatamente, como el segundo que acaba de pasar. La voz que abre “Perdido” es la de un fantasma que tiñe de negro las luces de neón de la disco, y su letra, amenaza con caer en la oscuridad para siempre, arruinando la fiesta para siempre. La voz oscurecida y la distorsión del sonido perturban ese sonido ochentero pulcro que ha dominado las listas de éxito anglo contemporáneas.

En “París, tal vez”, Álex busca a un amante que se fue, lo evoca, no tiene idea de su paradero, como el momento parece perdido en el tiempo. Un fantasma de lujuria que traspasa y se confunde con el instrumental, inubicable, inrastreable. Existe algo siniestro en esta recapitulación del pasado, en esas postales retro que parecen darles la razón a los fetichistas de la nostalgia; pero ¿cómo puede alguien que no vivió la época, advertir sobre los peligros de remontarse ciegamente a los momentos muertos? Hay un efecto específico de ralentización al final de “Tu nueva obsesión” y al principio de “QTDE” que captura esta idea perfectamente: el momento se siente glitcheado, perturbado, y, sin embargo, bailamos y cantamos.

Su disco anterior “El diablo en el cuerpo” conjura una fantasía similar, un synthpop ochentero con más refinaciones técnicas que su sucesor, un sentido del ritmo más fijo y controlado. Pero los espectros ya están presentes: en “Pueblo fantasma” Álex evoca el vacío emocional del rechazo por el círculo familiar, un desierto antes florido por amor. Pero el pueblo fantasma es también el tiempo en que ocurrió esta revolución musical y cultural, la pista de baile a la que entramos es un eco, una repetición de las que cuatro décadas atrás poblaban las ciudades. El futuro de una vida juntos, tan imaginable como invisible, no-presente, impenetrable, atrapado entre la desesperanza y el optimismo, y en un punto medio, el letargo, la depresión.

Temáticamente, Álex también abandona las postales brillantes ochenteras a su propia manera; en “No me molesta”, el brillo del éxito o la cúspide es rechazado, lo importante es la diversión y lo auténtico. El deseo por lo humano es el foco, “Ave del campo” y “Gaucho”, emociones exaltadas y genuina pasión. Pero también los fantasmas del pasado tienen sentimientos humanos, susurran o gritan por comprensión, amor, entendimiento. Las fotos en que están atrapados pueden ser contestadas desde el futuro, evocar imágenes y transportarse a los sonidos de entonces para completar el ritual, romper la maldición y arreglar los errores de la línea temporal.

[waltfrasescazadordepalabras]

El Mito de Sísifo de Albert Camus: Una Reflexión Existencialista. El mito de Sísifo, popularizado por Albert Camus en su ensayo homónimo, es una obra que encapsula la esencia del existencialismo. La narrativa de la obra se basa en el mito griego en el que Sísifo es condenado por los dioses a rodar una piedra cuesta arriba, solo para verla caer una y otra vez, en un ciclo interminable de esfuerzo y frustración. Camus utiliza esta metáfora para explorar el absurdo de la existencia humana: la lucha constante por encontrar significado en un universo indiferente. La filosofía existencialista, que surge en el siglo XIX con pensadores como Kierkegaard y Nietzsche, y se desarrolla ampliamente en el siglo XX con figuras como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir, se centra en la libertad individual, la responsabilidad personal y la búsqueda de sentido en un mundo aparentemente sin sentido. Camus, uno de los principales exponentes del existencialismo, propone en su obra una respuesta al absurdo: la rebelión. En lugar de sucumbir al nihilismo o la desesperación, aboga por vivir con plenitud y pasión, a pesar de la falta de un propósito trascendental. La influencia del existencialismo se extiende a lo largo y ancho de la cultura contemporánea. En la literatura, autores como Franz Kafka y Samuel Beckett exploran temas existenciales y absurdos. En el cine, películas como "Taxi Driver" y "Fight Club" reflejan la alienación y la búsqueda de identidad propias del existencialismo. En la música, artistas como Bob Dylan y Leonard Cohen abordan cuestiones filosóficas en sus letras. En la era digital, el existencialismo sigue resonando, ya que la búsqueda de significado en un mundo cada vez más globalizado y tecnológico es una preocupación constante. El surgimiento de movimientos como el minimalismo y el mindfulness también refleja una búsqueda de autenticidad y sentido en un entorno cada vez más complejo.

Fuente: Libro y arte la libre.

[mikrokosmcs]

Yang Suyeong

Guitarrista, compositor principal y líder de Sugar Ru$h, una banda de rock indie underground que es una estrella en ascenso

Estudia producción musical en la universidad, no obstante, tiene fe en que Sugar Ru$h despegará pronto y se volverán famosos con tan solo la banda

Maneja una motocicleta

Aesthetic físico: Tiene el cabello teñido de rosa pálido, algo largo y despeinado. De piercings tiene los dos snake bites inferiores, además de toda la oreja derecha perforada y la ceja izquierda. Tiene el brazo izquierdo tatuado con algunos ojos, unas especies de nubes y rayos de color negro, también tiene otro tatuaje en la pierna izquierda desde el pie hasta debajo de la rodilla con una serpiente en un estilo parecido al trazo de una brocha.

Pinterest

Ji Yohan

Bajista de Sugar Ru$h, aunque también tiene el auto proclamado puesto de manager, siendo él quien les consigue los mejores lugares para tocar al igual que se encarga de las finanzas del grupo

Estudia medicina, comenzó en la música simplemente porque Suyeong lo embaucó y le dijo “¿o no puedes aprender a tocar el bajo?” y lo tomo personal

Quiere aprender a componer y ayudar en letras

Tiene una coneja de mascota llamada Wabbit

Aesthetic físico: Tiene el cabello teñido de un morado oscuro, casi color uva, de longitud corta y despeinada. Como piercings solo tiene varias argollas en la oreja derecha, mientras que de tatuajes en primera instancia solo se había hecho un cerbero en el pecho derecho, queriendo tener un tatuaje “que pudiese cubrir”. Luego de un tiempo, se tatuó el antebrazo derecho con una calavera y flores.

Pinterest

Kim Noah

Fan numero uno de Sugar Ru$h, especialmente de su baterista de quien está enamorado. Es seguidor completo, yendo a cualquiera de sus presentaciones sin importar donde o cuanto cueste el ir

Estudiante de danza contemporánea, quiere ser bailarín famoso algún día

Tiene un club de fans y se encarga directamente de mercancía, promoción y difusión de la banda

Tiene un gato angora de pelo largo llamado Lu

Aesthetic físico: Tiene el cabello teñido de rubio, corto y alborotado. Noah tiene una infinidad de piercings, los más notables son el del ombligo en forma de serpiente, uno en la lengua, toda la oreja derecha colmada de aros y la izquierda solo con un par de argollas. Tiene también tatuado en el brazo derecho dos medusas, en el hombro izquierdo algunas flores de cerezos, en el muslo y cadera izquierda tiene una serpiente y flores tatuadas en negro.

Pinterest

[ignacionovo]

¡Hola, buenos días, humanidad! 🌍 ¡Feliz martes! 💪🌟🚀🏆🌈📈🌱🌞🎯🌺 Hoy os dejo una imagen de la Biblioteca Lello, también conocida como Livraria Lello, un lugar mágico en el corazón de Oporto, Portugal. Esta maravilla histórica ha resistido la prueba del tiempo y se ha convertido en un destino de peregrinación para amantes de los libros y bibliófilos de todo el mundo. Su fachada neogótica, decorada con paneles simbolistas, atrae a los visitantes, y una vez dentro, se encuentran rodeados de belleza literaria. La atención se centra en la literatura portuguesa, pero la biblioteca también ofrece una amplia selección de obras internacionales. Aquí puedes encontrar desde primeras ediciones raras hasta novelas contemporáneas, todas compartiendo espacio en sus hermosas estanterías. Sin duda, la Biblioteca Lello es un auténtico templo de las letras y un lugar que ha inspirado a compradores y escritores por igual, incluyendo a la famosa autora J.K. Rowling. Si alguna vez tienes la oportunidad de visitar Oporto, no puedes perderte esta joya literaria. 📚✨  

Vida consciente 🌟 

Todos tenemos miedo de decir demasiado, de sentir demasiado, de dejar que la gente sepa lo que significan para nosotros. Preocuparse no es sinónimo de locura. Expresar a alguien lo especial que es para ti te hará vulnerable. No hay manera de negarlo. Sin embargo, eso no es nada de lo que avergonzarse. Hay algo impresionantemente hermoso en los momentos de magia más pequeña que ocurren cuando te despojas del miedo y eres honesto con aquellos que son importantes para ti. Hazle saber a esa chica que te inspira. Dile a tu madre que la amas frente a tus amigos. Expresa, expresa, expresa. Ábrete, no te endurezcas ante el mundo, y sé valiente en quién y cómo amas. Hay valentía en eso.

[franciscoarayapizarro]

Runas Vikingas y sus Propiedades Mágicas: Desentrañando los Misterios de la Adivinación Nórdica

En el vasto mundo de la mitología nórdica, las runas vikingas emergen como un sistema de escritura y adivinación lleno de enigmas y significados ocultos. Estas antiguas letras grabadas en piedra o madera eran utilizadas por los vikingos como un medio para comunicarse, transmitir mensajes y buscar orientación en la vida cotidiana y las batallas. Pero más allá de su uso escrito, cada runa posee propiedades mágicas que han sido veneradas por siglos en la espiritualidad nórdica y que siguen cautivando la imaginación de la cultura popular actual.

Descubriendo las Runas Vikingas: El Alfabeto Futhark

El alfabeto rúnico, conocido como Futhark, consiste en 24 runas, divididas en tres grupos de ocho, llamados Aett. Cada Aett se asocia a una deidad o concepto cósmico y lleva consigo un conjunto particular de energías y significados. Las runas no solo representaban sonidos, sino que también se vinculaban a fuerzas de la naturaleza y elementos arquetípicos.

Las Propiedades Mágicas de las Runas Vikingas

Cada runa posee su propio simbolismo mágico y puede ser utilizada con fines adivinatorios, protectorios o para invocar poderosas energías. A continuación, presentamos algunas de las runas vikingas más destacadas y sus propiedades mágicas:

Fehu (ᚠ): Representa la riqueza, la prosperidad y el ganado. Es considerada una runa de abundancia y éxito material.

Ansuz (ᚫ): Conectada con el dios Odín, Ansuz representa la sabiduría, la inspiración y la comunicación divina.

Raido (ᚱ): La runa del viajero, Raido simboliza el movimiento, el cambio y la aventura. También representa el camino del destino.

Kenaz (ᚲ): Es la runa del conocimiento, la creatividad y la claridad mental. Puede ser utilizada para iluminar situaciones complicadas.

Algiz (ᛉ): Conocida como la runa de protección, Algiz representa la defensa contra el mal y la conexión con lo divino.

Sowilo (ᛊ): Simboliza el sol y la victoria. Es una runa de poder, energía positiva y éxito.

Gebo (ᚷ): Representa el intercambio de regalos y el equilibrio en las relaciones. Es la runa del compromiso y la generosidad.

Tiwaz (ᛏ): Conectada con el dios Tyr, Tiwaz representa el coraje, el honor y el sacrificio. Es la runa del guerrero.

Estas son solo algunas de las runas vikingas con sus significados mágicos, pero cada una contiene un amplio abanico de interpretaciones y simbolismos que han sido estudiados y venerados por siglos.

El Uso de las Runas en la Adivinación

La práctica de la adivinación con las runas se conoce como "tirada de runas". Los vikingos buscaban orientación en momentos importantes de sus vidas, y se cree que las runas podían revelar respuestas de los dioses o del destino. En la actualidad, la adivinación con runas sigue siendo practicada por muchos espiritualistas y amantes de la mitología nórdica.

El Resurgimiento de las Runas en la Cultura Popular

Con el creciente interés en la mitología nórdica y la cultura vikinga en la cultura popular, las runas han experimentado un resurgimiento en la sociedad contemporánea. Desde joyería con símbolos rúnicos hasta tatuajes inspirados en estas letras antiguas, las runas vikingas han capturado la atención de muchos que buscan conectarse con su legado ancestral y adentrarse en la magia del pasado.

En conclusión, las runas vikingas son mucho más que un antiguo sistema de escritura. Son portadoras de una magia ancestral que ha trascendido los siglos y sigue inspirando a aquellos que buscan sabiduría, protección y guía en su vida. A través de sus enigmáticos símbolos, las runas nos invitan a explorar la riqueza y profundidad de la espiritualidad nórdica, manteniendo viva la magia de esta fascinante tradición.

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Literatura venezolana contemporánea: la exploración de lo transterritorial

Una contribución para ensanchar el mapa de una literatura marcada por la diáspora, pero con autores clave que siguen escribiendo en el país. Por Alirio Fernández Rodríguez 7 septiembre 2023

Venezuela ha configurado, a través de un flujo migratorio inédito, un mapa literario de escritoras y escritores regados por todo el mundo. Está situación incide en un mayor interés acerca de una literatura no muy conocida. También han influido los premios internacionales. El último Premio Cervantes fue concedido a Rafael Cadenas, figura cimera de la poesía venezolana. El oriundo de Barquisimeto, reconocido ahora como “el poeta nacional”, fue el primer venezolano en obtener tal reconocimiento.

A propósito de este galardón, el más importante en lengua castellana, me he planteado hacer una panorámica actual de la literatura venezolana. Este ejercicio, como toda visión de conjunto, significa una renuncia a la exhaustividad. Así que he elegido ocuparme exclusivamente de la narrativa en el presente. De entrada, reconozco que al revisar cualquier aproximación a las voces literarias actuales de Venezuela, se tendrán por ineludibles los nombres de Karina Sainz Borgo (1982), Rodrigo Blanco Calderón (1981), Juan Carlos Méndez Guédez (1967) y Alberto Barrera Tyszka (1960).

Ahora bien, he dicho ineludibles, pero no los únicos en esta comunidad transterritorial de voces literarias venezolanas. De hecho, en 2022 intenté mostrar la realidad desperdigada que somos. Para ello diseñé el Mapa glocal de la literatura venezolana contemporánea, un mapa interactivo que muestra quiénes y en dónde están haciendo literatura. Allí se muestran las voces vivas, consagradas y jóvenes, de Venezuela. Entre los nombres incuestionables están Victoria de Stefano (1940-2023), Ana Teresa Torres (1945), José Balza (1939), Elisa Lerner (1932), Milagros Mata Gil (1951), José Napoleón Oropeza (1950), Gabriel Jiménez Emán (1950), Laura Antillano (1951) Eduardo Liendo (1941) y Antonieta Madrid (1939).

Por su parte, WMagazín planteó un “panorama actual” de la literatura venezolana que registra una treintena de voces. Además, como parte de una cartografía de la literatura latinoamericana del siglo XXI publicada en Letras Libres, Federico Guzmán Rubio incluyó un grupo de autores reconocidos como infaltables en la literatura de Venezuela de las últimas décadas. Todas estas han sido exploraciones necesarias que buscan señalar lo que va siendo la actualidad literaria venezolana.

Desde esta aproximación, pretendo sumar otros nombres que bien complementan estos panoramas. Así las cosas, un acercamiento a la narrativa muestra cómo la novela sigue dominando el pulso de la literatura, pero sin dejar de lado el cuento, cuya tradición en Venezuela es importantísima. Asimismo, movimiento y errancia se imponen como signos de esta época; pareciera ser este el modo en que va configurándose la patria literaria transterritorial venezolana. Desde allí, y sin ánimos canónicos, quisiera detenerme muy brevemente en algunos proyectos literarios que dan cuenta de este rasgo transterritorial preponderante de la literatura venezolana contemporánea. Destaco a continuación algunas voces, con al menos tres libros publicados, cuyas obras son dignas de considerar.

Dentro de Venezuela, pese a la precariedad de las últimas décadas, hay voces de gran valor. Victoria de Stefano (1940-2023) fue una narradora sumamente singular que construyó una obra sobresaliente con estilo y calidad estética particularísimos, a cuyo encuentro lamentablemente la crítica ha tardado en llegar. Son notables obras como Historias de la marcha a pie (1997), Lluvia (2006) o Vamos, venimos(2019), novelas en las que prosa, profundidad y lenguaje articulan belleza y verdad. También es significativa la obra de Ana Teresa Torres (1945), en la que ha sido determinante su interés y gran manejo de lo histórico, la memoria, lo político, lo psicosociológico o lo distópico para convertirla en una referencia obligada en Venezuela. De su trabajo, resalto El exilio del tiempo (1990), Doña Inés contra el olvido (1992), Nocturama (2006), Diorama (2021) y Cuentos completos (1966-2001). (2002).

Agrego a dos autoras más residentes de Venezuela: Carolina Lozada (1974) y Krina Ber (1948). Lozada es reconocida por una cuentística en la que destacan la efectividad de sus atmósferas, la presencia de personajes cercanos y alucinantes y la búsqueda estética desde temas irónicos y humorísticos, cotidianos y existenciales. Esta narradora acaba de publicar una novela titulada Todo es lo que parece (2023), y de sus libros de cuentos destaco Los cuentos de Natalia (2010) y El cuarto del loco (2014). Mientras que Krina Ber ha sabido dar tratamiento, desde el relato y la novela, a temas tan disímiles como el amor, el desplazamiento, el poder y la política, la muerte y, desde luego, el valor de la vida y la libertad. Quizá sea lo inestable o la desestructuración lo que mejor caracteriza su narrativa, ante la que el lector puede sentirse descolocado y cautivado a la vez. De Krina Ber son destacables el libro de cuentos Para no perder el hilo (2009) y las novelas Nube de polvo (2015) y Ficciones asesinas (2021).

Otras voces narrativas que considero pertinente anotar son Gisela Kozak (1963), Fedosy Santaella (1970) y José Urriola (1971), establecidos en México. El caso de Urriola es el de una voz “solitaria” en la ciencia ficción, a la cual ha resignificado en libros que ofrecen una experiencia enrarecida, a través de historias aparentemente comunes hasta que las máquinas o la inventiva humana irrumpen y desconciertan. De la obra de Urriola hay que mencionar las novelas Santiago se va (2015) y Fisuras (2020) y el libro de relatos Fragmentario (2021). Por otro lado, Fedosy Santaella ha acumulado una ingente obra, con novelas y cuentos que exploran las más diversas búsquedas de la condición humana, el tiempo y la identidad. Entre sus libros habría que señalar El dedo de David Lynch (2015), Los nombres (2016) Hopper y el fin del mundo (2021), Ciudades que ya no existen (2010) y Piedras lunares (2016). Gisela Kozak ha concedido lugar especial a la realidad urbana, a sus modos de vida y las relaciones que de allí emergen para narrar lo que la escritora descifra y desea mostrar: amor, emocionalidad, violencia, intimidad y condición política. Ha publicado Pecados de la capital y otras historias (2005), Latidos de Caracas (2006), En rojo (2011) y Todas las lunas (2011).

Daniel Centeno Maldonado (1974) tiene una obra desdoblada entre el periodismo literario y la ficción. Ha publicado en la primera categoría��Retratos hablados: 50 conversaciones de aquí y de allá (2010) y Ogros ejemplares (2015); en la segunda, su novela La vida alegre (2020). En esta, el autor ha sabido combinar la profundidad de vidas ordinarias y grotescas, desde un impecable manejo del humor y el drama, con la tragedia de la existencia humana; todo dominado por un sutilmente esbozado deterioro de la Venezuela actual. También residenciado en Estados Unidos, está Camilo Pino (1970), quien ha publicado tres novelas: Valle zamuro (2011), Mandrágora (2017) y Crema Paraíso (2020). La narrativa de Pino explora la realidad política venezolana, la presencia de personajes fracturados en sus relaciones y las deformaciones derivadas de obsesiones profundamente humanas; sus narraciones se sirven del cinismo, el humor, la ironía y la provocación para hacer funcionar las historias.

En tierras más al sur de América, en Argentina desde hace más de veinte años, encontramos a Gustavo Valle (1967). Es autor de las novelas Bajo tierra (2009), Happpenig (2014) y Amar a Olga (2021). En su obra es clave la carga que se otorga a los personajes, pues parecieran los principales encargados de convencer al lector de que se quede a vivir la historia que se narra. Temas infaltables de su novelística: el amor y sus implicaciones, el intimismo, las ciudades y sus particularidades, la existencia y el paso del tiempo.

Por último, destaca el nombre de Eduardo Sánchez Rugeles (1977), de los autores mejor recibidos por el público dentro de Venezuela, con novelas como Blue Label (2010), Liubliana (2012) y, más recientemente, El síndrome de Lisboa (2022). También ha publicado el libro de cuentos Los desterrados (2011). La narrativa de este autor es potente y atrapa, despierta los sentidos y todo tipo de emociones; las historias suelen contener personajes que han sido llevados a límites inimaginables y nunca está muy claro lo que sucede ni cómo va a ser el desenlace.

Hasta aquí esta aproximación a la literatura venezolana actual. Se ha ampliado el universo de autores reseñados en otros panoramas, sin olvidar a los autores de más larga trayectoria ni a los nombres de mayor resonancia internacional. Con ello se pretende contribuir a la difusión de una literatura marcada por la diáspora, pero con autores clave que siguen escribiendo en el país. ~